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This series is aimed at learning to make something of the old photos in my possession, and others in the public domain due to their age. You, the reader, are welcome to tag along and, I hope, glean some small insight and perhaps an idea or two from time to time. No promises are made as to quality of the content, or potential errors and omissions. I am a computer scientist, not a true artist or a professional of image restoration. So please take all this as a best effort, but with no firm guarantees — much as is the case of most open-source software. This is the final part on our first simple landscape, a photo of the castle of Foix in southern France about the turn of the century. With the passage of time, this photo is now slated to fall within the public domain, has already been digitized by the Rosalis project of the municipal public library of Toulouse, and may be downloaded from Wikicommons at address: https://commons.m.wikimedia.org/wiki/File:Ch%C3%A2teau_en_ruines_(8056081904).jpg .
Cette série a pour but d'apprendre à faire quelque chose des vieilles photos en ma possession, et d'autres du domaine public du fait de leur âge. Vous, lecteur, êtes bienvenu pour m'accompagner et, j'espère, glaner quelques petites particularités et une idée ou deux de temps à autre. Je ne fais aucune promesse sur la qualité du contenu, ou sur les erreurs et omissions possibles. Je suis un scientifique en informatique, pas un artiste ou un vrai professionnel de la restauration des images. Aussi, merci de considérer ça comme mon meilleur effort, mais sans garanties fermes, comme c'est souvent le cas dans les logiciels Open Source.
C'est la dernière partie concernant notre premier paysage simple, une photo du château de Foix dans le sud de la France, au début du 20e siècle. Avec le temps, cette photo est tombée dans le domaine public, elle a été numérisée par le projet Rosalis de la bibliothèque municipale de Toulouse et peut être téléchargée à partir de Wikicommons à l'adresse : https://commons.m.wikimedia.org/wiki/File:Ch%C3%A2teau_en_ruines_(8056081904).jpg
In the previous episode, we used a color curve to make the contrast of the complete image slightly more balanced, and then added a transparent layer on top to put in some color and try to get a better impression of the scene’s original colors. The result is quite reminiscent of period hand-coloring of black-and-white photographs in the early 1900s, but still needs some tweaking. In the first place, parts of the image are still much too dark, such as the castle walls. They need to be lightened up a tad, to give the color a chance to show through. On the other hand, the clear parts such as buildings’ facades and their window shutters are slightly overexposed, and would not stand any further lightening. So, it was back to the color curves – as discussed in the previous part of this series – and lighten the lower (darker) end of the color curve, leaving the upper part as it was. An extra control point placed in the exact middle of the range helped achieve the desired result.
Dans l'épisode précédent, nous avons utilisé une courbe de couleurs pour un peu mieux équilibrer le contraste sur l'ensemble de l'image, puis nous avons ajouté un calque transparent par dessus pour mettre de la couleur et essayer d'obtenir une meilleure impression des couleurs originales de la scène. Le résultat rappelait beaucoup la période des photos noir-et-blanc colorisées à la main du début du 20ème siècle; mais elle a besoin de quelques ajustements.
En premier lieu, certaines parties de l'image sont encore trop sombres, comme les murs du château. Ils ont besoin d'être un peu éclaircis, pour donner une chance à la lumière de passer. D'un autre côté, la parties claires comme les façades des immeubles et leurs volets sont légèrement surexposés et ne supporteraient pas un éclaircissement supplémentaire. Aussi, revenons aux courbes des couleurs – comme présentées dans la partie présente de cette série – et élevons la partie basse (plus sombre) de la courbe de couleur, en laissant la partie supérieure comme elle est. Un point de contrôle supplémentaire placé juste au milieu de la plage aide à réaliser le résultat désiré.
I then went back to my coloring technique. In the previous episode, I had simply placed a new layer to hold the colors on top of the original image. This is contrary to standard practice in the printing world, where darker inks are always applied on top of lighter, and black is naturally the last to go on. This sequence also makes sense in our application, since it will mean that the black edges to fine details (such as window shutters) will stand out better over their infilling color. So, I removed the color layer, and created a new one beneath the original image. I also chose to combine the original layer using “Multiply” instead of “Normal”, since the combination between layers works out better, and reduced the opacity of the original image to 71%. This gives a good balance between the colors in the lower layer, and the black details in the upper. Now, it was “merely” a question of slowly working in the color in the lower layer. Several aspects came to light. In the first place, it is clear that, in real color photos, there tend to be very few large areas of uniform color. Even in this image, with its rather flat sky due to over-exposure in the original, we can give some life by putting in some slight gradient, especially in the parts that are at a distance.
Puis je suis revenu à ma technique de colorisation. Dans l'épisode précédent, j'avais mis un nouveau calque pour contenir les couleurs au-dessus de l'image original. C'est le contraire du principe habituel dans le monde de l'impression, où les encres foncées sont toujours appliquées sur les plus claires et le noir est naturellement le dernier appliqué. Cette séquence a aussi du sens dans notre application, car ça signifiera que les bords noirs des petits détails (tels que les volets) se verront mieux par dessus la couleur de remplissage. Aussi, j'ai enlevé le calque des couleurs et en ait créé un nouveau sous l'image d'origine. J'ai aussi choisi de combiner le calque d'origine en utilisant « xx» plutôt que « Normal », car la combinaison de calques fonctionne mieux. et réduit l'opacité de l'image oringinale de 71 %. Elle donne un bon équilibre entre les ouleurs du calque inférieur et les détails noirs de celui du dessus.
À partir de là, c'était « juste » une question de travail à petite vitesse dans les couleurs deu calque inférieur. Plusieurs aspects se firent jour. D'abord, c'est clair que, dans les photos en lumière naturelle, elles ont tendance à avoir de large plages de couleur uniforme. Même dans cette image, avec son ciel tout plat dû à la surexposition dans l'original, nous pouvons lui insuffler un peu de vie en mettant un léger dégradé, particulièrement dans les parties qui sont éloignées.
As can also be seen from this detail, both the rock surfaces to the right and the terraced fields to the left are composed of various colors: dark green trees and shrubs clinging to the rocks, the rock surfaces themselves as a light, creamy, limestone, and other types of vegetation such as grass or cereals in the fields. Careful use of the airbrush with a choice of several (2 to 4) colors for each type of terrain may be of help here. Even wide expanses of mixed vegetation near the tops of low mountains in the background will need some grading. To the right side of the complete image, I used several shades of green in wade bands. Actually, these were laid down using a completely opaque crayon, and not the airbrush. To blend horizontal bands in together, I then used one of Krita’s “wet knives” to move the color, to blend and mix as if it were wet oil paint.
Comme nous pouvons le voir aussi dans ce détail, à la fois les surfaces rocheuses de droite et les terrrains en terrasses de gauche sont composés de couleurs variés : le vert sombre pour les arbres et les broussailles escaladant les rochers, le calcaire clair et soyeux des rochers eux-mêmes, et d'autres types de végétation telles que l'herbe ou les céréales dans les champs. Un usage méticuleux de l'aérographe avec un clhoix de plusieurs (de 2 à 4) couleurs pour chaque type de terrain peut servir ici.
Même les larges espaces de végétation variée près de sommets des montagnes basses du fond auraient besoin d'un peu de dégradé. Tout à droite de l'image complète, j'ai utilisé plusieurs nuances de vert dans les zones humides. En réalité, elles ont été appliquées avec un crayon complètemetn opaque et pas là l'aérographe. Pour mélanger les bandes horizontales, j'ai ensuite utilisé un es « zz » de Krita pour déplacer les couleurs, les fusionner et les mélanger comme si c'était une peinture à l'huile.
In this same detail, we can note that the presence of the trees in the foreground make coloring the mountainside rather more difficult. Instead of drying the background around the branches – which would be quite impossible due to the sheer amount of wood in the foreground – I painted the lot over in the colors of the mountainside grass. Then, a clearer shade of wood color was used, with a fine airbrush, to change the tone of the trees. Some bleeding has occurred in places, but the end result is rather life-like. Our choice of colors for vegetation and natural formations is rather limited: grass will, in general, be green, tree limbs will have a wood color, and rocks will each have their own colors within a limited range of possibilities. Choosing colors for these parts of the image is, thus, rather easy. If in doubt, using a modern photo taken of the same place may put us on the right track and, even, allow us to open both images in Krita and choose colors directly from the recent image and transfer them directly to work on the black and white photo we are coloring. However, things are more complicated when man-made objects may be more complex.
The roofs in this image are quite clearly ceramic tiles, which at that time must have been some shade of terracotta, from brick-red to pink or even yellow ocher. However, nobody alive could tell us which colors the shutters of the houses were. A certain variety of shutter paint colors is to be expected; however, assignation must to some extent be a subjective choice. I simply did try to follow usual practice, and assign similar colors to each shutter of the same building, and different colors to neighboring houses. In the same way, the lettering of the hotel name on its gable in the background must have stood out from the background. But, was it red, green or blue? That could be anyone’s guess. This is the final image, as it stands (bottom right).
In comparison to the original shown in the first episode of this series, there are fewer defects and more details arise readily to the eye. In general, I am quite satisfied with the work done. In the next part of this series, we will change subjects. We’ll work on an early 20th century image, a studio portrait. Paul Trappen, presented as the world’s Strongest Man, was photographed and the resulting prints sold as a postcard. The result is now available on Wikimedia Commons at address https://commons.wikimedia.org/wiki/File:Portrait_of_Paul_Trappen.jpg. Interested readers may wish to download this photo, and give it a quick look to see how we can work on it to enhance the image itself, and add color. Until then, take care!
